Полутона или «черная манера»: что посмотреть на выставке в пакгаузах на Стрелке

31 августа в Нижнем Новгороде открылась выставка «Меццо-тинто: полутона и интонации», на которой представлены картины десяти самых известных современных художников, использующих эту технику. На выставке представлены экспонаты Екатеринбургского музея изобразительных искусств – именно там собрана крупнейшая в мире коллекция меццо-тинто. Экспозиция находится в пакгаузах на Стрелке до 27 ноября, там же можно посетить сеанс демонстрационной печати и увидеть поэтапно, как создается гравюра.

6+ Говоря о самой технике меццо-тинто, невозможно не учесть одинаково и ее поразительно долгую историю развития, и ту редкость, с которой она используется современными авторами из-за ее сложности. Считается, что техника появилась впервые в 17 веке и была использована немецким художником Людвигом фон Зигеном, но популярность свою обрела уже в 18 веке в Англии. В настоящее время в этой технике работает лишь около 500 художников во всем мире, и на выставке представлены 10 из них – по одному из разных уголков планеты.

Техника меццо-тинто многоэтапна и сложна в исполнении. Чтобы создать качественную доску для печати на бумаге, необходима точная, ювелирная работа, для которой нужны такие инструменты, как шабер (инструмент для скобления), гладилка (инструмент для выравнивания), резцы и офортные иглы (инструмент для гравировки мелких деталей), зубчатые рулетки, создающие разный узор на металле.

Почему художники используют меццо-тинто, зная, насколько трудоемок процесс создания такой картины? Безусловно, техника имеет свои преимущества. Если рисунок, выполненный на бумаге, при его повторении будет каждый раз уникальным, меццо-тинто дает возможность многоразового отпечатка одного и того же изображения на бумагу. В конечном счете, доска изнашивается, но до этого момента с ее помощью можно создать неповторимые графические принты.

На выставке в пакгаузах представлены работы десяти авторов: Деборы Чапман (Аргентина), Бонми Сангхума (Таиланд), Эрлинга Вальтюрсона (Норвегия), Томаша Винярски (Польша), Мартина Митчелла (Великобритания), Хашми Азза (Бельгия), Ги Ланжевена (Канада), Арта Вергера (США), Марка Фризинга (Люксембург) и Микио Ватанабе (Япония – Франция). У каждого из них свой стиль и художественная тематика.

Первыми зрителей встречают картины Деборы Чапман. Работы художницы обладают необъяснимым сюрреалистичным духом, и принт каждой из них настолько детально проработан, что достигает фотографической точности. Чаще всего, «героями» ее картин становятся маленькие птицы, насекомые, взаимодействующие с каменными, металлическими, бумажными поверхностями. Очевидно, что смысл работ состоит в утрированной иллюстрации индустриального мира, с которым сталкивается постепенно погибающая природа – это столкновение двух сторон повседневности, обыденности, и она из них, незаметно для нас, поглощает другую, делает ее частью себя. Воображение Чапман, как и ее умение пользоваться сюрреалистичными метафорами в донесении жизнеутверждающих и взывающих к переменам смыслов, поражает.

Похожим настроением обладают работы Эрлинга Вальтюрсона – автор намеренно совмещает на гравюре несовместимое, при этом вкладывает в изображение глубокий смысл. Люди на его картинах странно выглядят и носят необычные головные уборы, а их лица будто являются отражением человеческих душ, не имеющих определенного художественного образа.

Вообще, сюрреалистичная тематика работ является очень распространенной среди художников-«меццотинтистов». В картинах бельгийца Хашми Азза загадочная символика вдохновлена значительными историческими событиями, произошедшими за 40 лет его творческой деятельности, в частности в работах «Дань уважения Сребренице», «Крик Косово» и «Падение Багдада». Другие его работы рефлексируют на темы свойств людей и объектов – их эмоциональности и хрупкости, чуждости окружающему миру, порядка и хаоса. Такая экспрессия в работах присуща и Ги Ланжевену, изображающему человеческую агонию, страсть, тревогу – ощущения, приводящие человека в вечное состояние движения, а незаконченные элементы в гравюрах будто добавляют этому остроты и искренности. Марк Фризинг использует эмоцию в работах как предмет ностальгии, и его главным инструментом в создании сюжетов являются воспоминания, одновременно чуждые и близкие каждому человеку.

Некоторые из художников используют технику меццо-тинто для иллюстрации чего-то стабильного, недвижимого, в какой-то степени, долговременный процесс создания гравюр этих художников воспринимается как вид медитации, духовной деятельности, выпускающей весь негатив из художников и преобразующей его в абсолютный покой. Главным примером такого творчества являются картины Бонми Сангхума – он изображает растения, цветы и фрукты в глубоком холодном полумраке, и их непоколебимое состояние переносится на атмосферу вокруг. Картины Микио Ватанабе тематически разделены на два периода творчества, но каждый из них в своей манере передает спокойную энергию – будь то животные и растения, выполненные в увядающей цветовой гамме, или фрагменты женского тела, создающие причудливые рельефы и фигуры. В эту категорию можно отнести и британского художника Мартина Митчелла, создающего многофактурные и очень детальные пейзажи английской сельской местности, изображения старых храмов и часовен, которые насыщают посетителей выставки покоем и умиротворением.

Польский автор Томаш Винярски использует эту старую художественную технику для изображения будущего, что может символизировать встречу прошлого и будущего в искусстве. Самой известной является серия его картин «Вечный двигатель», в которой художник по-разному иллюстрирует нечто несуществующее – сооружение, предназначенное для вечного движения. Каждая из картин абстрактна и не имеет общих черт, гравюры выполнены в стиле, близком к техническим чертежам.

Последним в экспозиции, но не по значению, стал американский художник Арт Вергер – его картины невероятно кинематографичны, детальны и динамичны, трудно поверить, что автор использовал технику меццо-тинто в своих работах, ведь все они обладают живостью и схожестью с комиксами и мультипликацией, не встречавшейся в работах других авторов. Художник сосредотачивает свое внимание на несколько сатирической иллюстрации жизни Америки в своих художественных сериях, и некоторые из его работ напоминают известный документальный фильм Годфри Реджио «Койяанискаци» – настолько точно художник передает атмосферу «американской мечты».

Каждый, кто посетит эту выставку, будет в восторге от ее художественного разнообразия и выберет себе фаворитов среди художников – «меццотинтистов». Студенты, школьники и пенсионеры, желающие получить новые впечатления, могут приобрести билет на выставку по Пушкинской карте или Льготному пенсионному тарифу всего за 150 рублей. Для всех остальных билет стоит 300 рублей. Выставка продлится до 27 ноября.